Josh Rowell: la pittura tra il digitale e il reale

Josh Rowell (Kent, 1990) è inglese, un tipo dalla faccia pulita con due occhi limpidi e proiettati chissà verso quali mondi lontani. Artista, di quelli bravi, crea installazioni multimediali, dipinti e disegni che esplorano le sinergie e le interdipendenze fra due mondi apparentemente distanti. Un artista da tenere d’occhio per il futuro.

Se dovessi presentarti a qualcuno che non ti conosce attraverso un'opera d'arte, quale sceglieresti e perché?

Questa è una domanda di partenza fantastica! Probabilmente opterei per presentarmi attraverso la mia serie più recente,che ho intitolato Walking Series (Serie delle Passeggiate). Questo perché parla di me a livello personale, ma comunica allo stesso tempo le idee e i concetti che mi interessano. Le opere, attualmente in mostra nella mia personale Rhizoma presso Atipografia, sono tutte basate sulle passeggiate che ho intrapreso nella campagna intorno a dove vivo nel Sud-Est dell’Inghilterra. Mentre facevo queste varie camminate nella pittoresca campagna intorno a casa mia, raccoglievo dati per mappare e illustrare l’invadenza crescente del mondo digitale nella nostra vita quotidiana.

I risultati di queste opere iniziano tutti con una fotografia scattata durante la passeggiata corrispondente. Divido poi meticolosamente l’immagine in specifici segmenti rettangolari, con ogni segmento che simboleggia un minuto del mio percorso. Alcuni segmenti sono oscurati con vernice altamente saturata e fluorescente, a simboleggiare i minuti in cui ero immerso nel mondo digitale, che fosse scrivendo un messaggio, scattando una foto, rispondendo a una chiamata telefonica o impegnandomi in altre attività.

Queste opere trasmettono chiaramente il concetto a cui mi riferisco come “distrazione digitale”: un fenomeno con cui tutti noi “lottiamo” nella società tecnologicamente avanzata di oggi. Più tempo investo nel mio telefono, più si offusca il mondo naturale intatto, dando la sensazione che il mondo reale stia gradualmente scomparendo. Questo solleva interrogativi su come scegliamo di investire e utilizzare il nostro tempo in questa era di connettività digitale costante. Queste opere sembrano un commento sulla mia vita personale, ma evocano anche un dialogo su questioni molto più ampie legate alla vita nel XXI secolo.

Josh Rowell, The Temptation of St.Antony, 124x182 cm, acrilico su tela, 2020
Come sta evolvendo la pittura? Come la percepisci?

La ben nota frase “la pittura è morta” è stata gettata lì durante le discussioni su molteplici movimenti artistici e tendenze emergenti nel corso dell’ultimo secolo. Tuttavia, spero sinceramente di non sentirla mai più! La pittura, dal mio punto di vista, non è morta e, oserei dire, non morirà mai. Le statistiche dal mercato dell’arte lo dimostrano, con la stragrande maggioranza delle vendite che continuano ad originarsi da dipinti. Tuttavia, questo risponde solo a metà alla domanda. Per me, la pittura non è solo vitale e confermativa, ma racchiude tutto ciò che c’è di buono e puro nella produzione artistica. In modo cruciale, credo che nell’era attuale abbiamo bisogno della pittura più che mai.

Oggi viviamo in un’epoca in cui generare immagini attraverso l’IA è questione di accedere a una piattaforma e inserire un prompt di testo. Sebbene sia un fenomeno affascinante, ritengo che abbiamo bisogno di artisti che sfidino questa tendenza continuando a creare dipinti. La pittura ci fornisce conoscenza su noi stessi, sottolineando l’importanza della mano, del tocco e dell’espressione: alla base, la pittura è intrinsecamente umana. Questa convinzione sta alla base della mia scelta di creare la serie Painting Language a mano.

Sebbene questa serie tragga ispirazione dalle funzionalità del mondo digitale, il mio obiettivo è renderla “reale” attraverso la pittura. Ho cercato di produrre arte che facesse riferimento all’evoluzione della comunicazione dall’avvento di Internet, un periodo in cui i messaggi possono attraversare il globo istantaneamente. Le piattaforme e le app che utilizziamo per la comunicazione sono strettamente legate a complessi sistemi di codifica. Pertanto, utilizzando il testo, ho creato il mio codice, uno visuale che funziona attraverso la sequenza di colori. Il dipinto abbraccia ogni cosa, inclusa le maiuscole, la punteggiatura e la struttura del paragrafo. Simile a un codice informatico, segue regole e parametri definiti per raggiungere un risultato specifico. Queste opere rappresentano il mio omaggio all’architettura invisibile dell’era digitale.

Mentre avrei potuto facilmente creare un programma informatico e stampare digitalmente queste opere d’arte, l’atto deliberato di dipingerle a mano porta con sé un’intenzionalità profonda per me. Il lavoro coinvolto mostra un desiderio personale di suggerire che la mano umana conserva utilità anche nell’era moderna. Con le nostre vite sempre più intrecciate con il digitale, credo fermamente che sia cruciale persistere ed esistere nello spazio fisico reale che i nostri corpi abitano. I dipinti, in questo contesto, svolgono un ruolo centrale nel preservare la “realtà” dell’arte.  

Come è nato Rhizoma per Atipografia?

Rhizoma è il risultato di un’esplorazione decennale della relazione tra il mondo digitale e il mondo reale. Esploro il modo in cui tali linee si confondono sempre di più, ma anche il modo in cui ciascuno di noi affronta questa posizione nel XXI secolo. In modo entusiasmante, Rhizoma sembra essere un punto di partenza da cui continuerò ad incorporare nuove idee e temi nella mia pratica artistica. Per la prima volta, sto andando oltre il concetto di digitale vs fatto a mano e inizio a esaminare le relazioni preesistenti tra il digitale e il naturale. Spesso diamo per scontato che il mondo naturale intorno a noi sia la totale antitesi della società ossessionata da Internet in cui viviamo, ma sto cercando di comunicare una percezione alternativa. Dopo aver trascorso gli ultimi anni immerso nella natura, mi sembra sempre più chiaro che i mondi naturale e digitale sono, in realtà, molto simili nel modo in cui operano. Entrambi si basano su insiemi di reti e sistemi interconnessi attraverso i quali viaggiano informazioni e messaggi. Proprio come innumerevoli quantità di dati si trasferiscono da un luogo all’altro nello spazio internet, così anche le informazioni si muovono liberamente nel mondo naturale da pianta a pianta attraverso reti complesse. Voglio creare un corpus di opere che sfidi la supposizione che reti e sistemi siano invenzioni umane e suggerisca invece che stiamo semplicemente copiando ciò che è sempre esistito.

Josh Rowell, portrait
Come artista, qual è, secondo te, il tuo dovere nei confronti della società?

È qualcosa su cui dedico molto tempo a riflettere, e a volte persino a preoccuparmi! Posso parlare solo a livello personale, ma per me il ruolo di un artista nella società è quello di sollevare domande su cosa significhi essere vivi durante il periodo specifico in cui quell’artista sta creando. Non credo che sia importante per l’artista cercare di rispondere a domande filosofiche profonde, ma piuttosto provocare qualche elemento di riflessione nello spettatore.

Si tratta di instillare il seme di un’idea che lo spettatore può poi nutrire indipendentemente, arrivando alle proprie conclusioni nel proprio tempo. Credo che un artista dovrebbe astenersi dal fornire risposte conclusive attraverso il proprio lavoro o dal dedicare tempo a opere eccessivamente autoindulgenti. Invece, l’obiettivo è fornire al pubblico qualcosa che persista nei loro pensieri, stimolando la contemplazione nei giorni, nelle settimane o persino negli anni a venire.

Il ruolo di un artista è quello di unire ispirazione da luoghi apparentemente disparati e, attraverso i propri metodi di follia autoprogettati, distillare tutto questo in qualcosa di totalmente unico ma altrettanto coerente. E infine, si tratta di creare qualcosa che dia l’essenza di una società o cultura implicitamente ma mai esplicitamente. Di nuovo, questa è solo la mia percezione, e diversi artisti opereranno in modi e per ragioni diverse, ma mi piace l’idea dell’artista come”sollevatore di domande” anziché “distributore di risposte”.

Il dialogo tra la natura e il mondo digitale (e di conseguenza con gli esseri umani), così presente nel tuo lavoro, rappresenta una forma di analisi della società moderna. Cosa pensi che riservi il futuro da questa prospettiva?

Chiariamo un punto cruciale: l’emergere rapido e l’espansione del mondo digitale costituiscono la trasformazione più tumultuosa e veloce nella storia umana. In soli 40 anni, ha ridefinito completamente il modo in cui conduciamo lenostre vite. Mentre altri fenomeni evolutivi importanti, come le rivoluzioni cognitive e agricole, hanno avuto impatti profondi, si sono dispiegati in migliaia di anni. Al contrario, ci troviamo oggi in vite marcatamente diverse dai primi anni dei nostri genitori e nonni, una trasformazione che ritengo senza precedenti.

Questo fenomeno mi affascina, e comprendere la sua portata si rivela difficile. Vivere in un’era di rapido progresso rende difficile mettere in pausa e analizzare i cambiamenti in corso in tempo reale. Quando si fondono questi pensieri con i miei commenti precedenti sul ruolo dell’artista nel mettere in discussione la cultura che abita, è diventato l’unico tema che sentivo il bisogno di esplorare attraverso il mio lavoro.

Per quanto riguarda il futuro, l’incertezza regna sovrana, e mentre prevedere il domani rimane sfuggente, il mio istinto si orienta verso una prospettiva meno ottimistica. Il mondo digitale, finora, ha portato numerosi aspetti positivi, ma sono bilanciati da una serie di negativi. La messaggistica istantanea in tutto il mondo e il rimanere connessi con amici all’estero, ad esempio, hanno un costo in termini di autentiche interazioni faccia a faccia. L’intrattenimento una volta richiedeva di uscire di casa; ora ci troviamo in casa, incollati agli schermi. L’elenco è lungo, e tutti sono familiari con questi aspetti, ma la mia preoccupazione è che il mondo digitale possa aver esaurito gran parte del suo potenziale positivo, con i negativi che diventano sempre più evidenti.

Lo spettro imminente dell’IA che sostituisce i posti di lavoro introduce una dinamica complessa. Sebbene possa sembrare inizialmente positivo, la prospettiva di sette miliardi di persone disoccupate pone sfide significative. Vorreipoter adottare una posizione più positiva, ma al momento presente, purtroppo, tale sentimento mi sfugge. La rapida emergenza ed espansione del mondo digitale rappresenta la trasformazione più rapida e disturbante nella storia umana. 

Josh Rowell, Rhizoma, Exhibition View, Ph. Luca Peruzzi
Quali sono gli artisti che ti hanno ispirato nella tua crescita professionale?

Per quanto riguarda le influenze artistiche, spaziano su un ampio spettro. A metà degli anni 2010, ho vissuto una sorta di “momento eureka” scoprendo l’arte post-Internet e video. Questo momento cruciale ha stimolato una profonda esplorazione del concetto di “reale” nei confini della vita nel XXI secolo. Nomi come Hito Steyerl, Jordan Wolfson, Ryan Trecartin, Benedict Drew e Lindsay Seers vengono immediatamente in mente.

Riflettendo su altri incontri influenti, la scoperta delle opere di Peter Halley emerge come un momento significativo nella formazione del mio percorso artistico. Halley, insieme ai pittori Neo- geo della New York degli anni ’80, ha creato opere che rispondevano al loro periodo, un mondo post-industriale e “prima dell’era del computer” in transizione da fatto a mano a fatto dalla macchina. I dipinti puliti e dai bordi duri riflettevano la perfezione di questa realtà fatta dalla macchina, incarnando la “geometrizzazione” del loro contesto. Queste opere non erano solo astratte; fungevano da segnali culturali, affrontando sia la promessa che la minaccia poste dalle tecnologie avanzate all’umanità. Diverse decadi dopo, è esattamente ciò che cerco di catturare nella mia arte. Hanno anche illuminato l’idea che la pittura può trascendere l’atto stesso di dipingere, espandendosi in un regno di significati impliciti.

Quali saranno i prossimi passi nel tuo percorso artistico? Come vedi il futuro?

Voglio continuare a portare avanti le idee che ho intrapreso in Rhizoma. Prendi, ad esempio, l’installazione principale della mostra, intitolata proprio Rhizoma. Qui lo spettatore si trova all’inizio della mostra di fronte a un’installazione multimediale che include tre alberi collegati da strisce LED che a loro volta si connettono a frasi luminose su due paretiadiacenti, che recitano ‘sempre connessi’ e ‘mai soli’. Questo è il pezzo di installazione più grande che abbia mai realizzato e il mio primo lavoro di installazione in quasi otto anni. Il lavoro mira a esplorare le reti interconnesse delmondo naturale, fondendo simultaneamente la dimensione digitale con quella naturale. Questo passaggio dal lavoro bidimensionale al tridimensionale è stato molto entusiasmante per me e ha aperto un intero mondo di nuove idee e possibilità.

Ora che sono più stabile e di nuovo nel mio studio dopo un’estate molto intensa di mostre, sto scoprendo che nuove idee mi vengono quasi quotidianamente. La sfida chiave riguarda il concedermi il tempo per riflettere attentamente su tutte queste idee e decidere poi su cosa proseguire e cosa non vale la pena perseguire. Per qualche motivo, ho davvero voglia di provare a dipingere paesaggi, cosa che potrebbe sembrare un po’ strana, ma ho una vera compulsione a farloin questo momento, vediamo come va!

Voglio continuare a spingere avanti le idee che ho iniziato con Rhizoma.

Josh Rowell, Rhizoma, Exhibition View, Ph. Luca Peruzzi
Quale musica ascolti quando crei le tue opere?

Amo la musica e i miei gusti spaziano davvero dalla classica al folk, dal country al rock, rap e pop; mi piace davvero una vasta gamma di generi. Non credo che immergersi troppo in uno stile di musica sia necessariamente positivo; per me si tratta della sensazione che provi ascoltando un pezzo musicale. Posso ottenere la stessa emozione da un brano di musica classica che posso ottenere da una canzone rock. Trovo piacere nelle narrazioni emotive intrecciate nelle canzoni country, tanto quanto apprezzo la narrazione nel rap. Si tratta dell’impatto emotivo che un brano musicale ha su di me, indipendentemente dal suo genere, un sentimento che riflette il mio approccio all’arte visiva.

Detto questo, la musica non gioca un ruolo particolarmente importante nelle mie attività quotidiane nello studio. Poiché gran parte del mio lavoro richiede molto tempo, posso trascorrere oltre 150 ore su grandi dipinti, tendo a preferire podcast e audiolibri, godendo dei loro formati più lunghi. Amo in particolare i podcast, mi trovo ad ascoltare soprattutto podcast politici, storici, scientifici e di attualità. Li considero effettivamente parte integrante della mia ricerca perché costringono il cervello a interagire con nuovi contenuti, sollevano nuove domande e, a loro volta, mi aiutano a generare nuove idee per nuovi lavori.

LINKS
Francesco Liggieri
Torna in alto