Cosa resterà della Biennale di Pedrosa?

IL TENTATIVO CORAGGIOSO DI RISCRIVERE LA STORIA DEL MODERNO

La mostra di Pedrosa è percorsa da molti temi e sezioni (il focus più graffiante è il Disobedience Archive curato da Marco Scotini), ma le principali chiavi di lettura sono state quello dell’artista queer, outsider, folk e indigeno. Però, se si considera il fatto che tali categorie sono state ampiamente sdoganate nella produzione contemporanea (e rappresentano anzi alcune delle tendenze più in voga, anche grazie alla Biennale enciclopedica di Massimiliano Gioni), l’aspetto che pare più significativo e culturalmente duraturo è quello sul Novecento. In questo senso l’intento del curatore brasiliano è stato infatti quello di innescare una riscrittura della storia del Moderno, con un occhio non più viziato dalla prospettiva occidentale e con un’ottica realmente aperta alle diversità. È un proposito che risulta affascinante e da svariati punti di vista necessario, benché non sia una novità e sia frutto di un’urgenza intellettuale fortemente alla moda. Ma è giusto che Pedrosa, e la generazione di intellettuali che condivide la sua stessa prospettiva, si misuri coi propri dubbi e le proprie sfide. A maggior ragione perché in tale capo gli esiti espositivi di valore, non viziati da questioni ideologiche, ancora latitano.

LE ALTRE METÀ DELL’AVANGUARDIA E LE PLATEE DELL’UMANITÀ

Analizzare il contributo alla modernità di artisti che hanno vissuto geograficamente alla periferia del sistema dell’arte, o che sono stati trascurati per ragioni di genere, di eccentricità o di natura politica, è un’operazione che prosegue quella pratica, fatta spesso nel Novecento, di capovolgimento e riscrittura della storia dell’arte dei secoli precedenti. Si pensi per esempio al ruolo del tutto marginale assegnato, fino a un secolo fa, ai manieristi, a Caravaggio o ad Artemisia Gentileschi, che sono entrati a pieno diritto solo dopo la loro riscoperta. In maniera simile Pedrosa si è proposto di mettere a soqquadro le gerarchie suggerendo altri maestri da affiancare al pantheon del Novecento. Autori che, nelle intenzioni del curatore, sono in grado di reggere il confronto con gli artisti più celebrati e di incarnare concettualmente, le altre metà dell’avanguardia (non necessariamente legate cioè alle sole questioni di genere). Parafrasando il titolo della Biennale di Harald Szeemann del 2001, quella di Pedrosa mirava cioè a essere la platea delle umanità: il sottotesto è che la quasi totalità delle opere esposte è stata realizzata da autori che vivevano nel sud del mondo, o con esperienze in opposizione ai rigidi schematismi tassonomici imposti dai paesi colonialisti.

TROPPI COMPRIMARI

Tale progetto è stato messo in atto con una mostra internazionale che ha visto la partecipazione di oltre trecento artisti – la vertigine della lista! – metà dei quali morti. Decisamente troppi per essere visti, apprezzati o anche solo trattenuti in testa oltre qualche secondo. E poi, dal punto di vista qualitativo, quasi sempre non all’altezza. Il pensiero ricorrente durante le visite alla mostra, sensazione che non mi ha più abbandonato nei mesi successivi, è stata quella di trovarmi di fronte a epigoni di terz’ordine, ben distanti da essere comprimari di quelli che consideriamo maestri. Perché Pedrosa ha scelto di presentare un numero così sconfinato di artisti? Perché quelle opere da mercatino etnico (la maggior parte) affiancate invece ad autori (rari) che meriterebbero invece di essere conosciuti? Se si crede che l’arte abbia una funzione, o se si crede semplicemente nell’arte, questa scelta curatoriale è incomprensibile, e sembra dettata da un semplice furore ideologico che mette in un angolo l’arte e i suoi linguaggi, per il piacere di un’esperienza immersiva in una moltitudine di opere colorate. E dispiace, visto che gli obbiettivi erano di altro profilo.